| Ainda não começámos a pensar
We have yet to start thinking
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Filmes
O que acontece quando se acolhe um filme? Como se cria a vontade de o ver? Como abrimos em nós, seres fechados, um lugar quase emocional para que ele o venha ocupar? Quero acreditar que são as intuições, espécies microscópicas de saber, que mais nos guiam. Mas não intuições isoladas de tudo, meros palpites, antes miríades de pontos, de indicações sedimentadas pela nossa experiência selectiva de espectadores, do apelo das imagens, da estória, etc.; também, porque não, duma atenção prestada a certas recomendações alheias, com as quais estabelecemos relações, mesmo que desviadas. No fundo, uma promiscuidade útil, feita de alguma desconfiança, e que constitui um agregado muito confuso que procuramos esclarecer, fazendo uma espécie de desenho de crença num filme. Quando se nos oferecem demasiadas hipóteses, este trabalho é tão mais difícil. Por vezes, quase preferimos a escassez e aterroriza-nos a vida que teríamos numa outra cidade, como Paris, por exemplo, onde se pudesse ver quase tudo. É mais um problema de construir uma aproximação e de a preservar. Num festival como o IndieLisboa, que agora começa, a situação normal é a de não se conhecer quase nada e os filmes aparecerem todos ao mesmo nível, sem relevo. Qualquer indício se torna relevante. Por pudor, faço questão que as “recomendações” que aparecem neste blogue, sob a forma de saliência dos filmes do mês ou pequenos textos a propósito de filmes por vir, digam apenas respeito ao local concreto onde vivo e sejam sempre sobre obras que já vi e que me tocaram. São regras que criamos para nos diferenciarmos, certamente, mas sobretudo para definir aquilo que procuramos fazer. Não costuma, portanto, haver aqui lugar para demasiadas expectativas sobre filmes vindouros. Por uma vez, nas circunstâncias especiais de um festival que começa a dar trabalho, podemos fazer o inverso. Ninguém nos levará a mal, sabendo que as razões de um para ver um filme são as de outros para o evitar. Apenas se pede que se entre na sala, simultaneamente, de olhos fechados e cabeça aberta. Alguns dos filmes que, não sabendo, quero ver: Fantasma de Lisandro Alonso, ainda que não tenha visto os aparentemente necessários, para este, filmes anteriores deste realizador; Be my star/Mein stern de Valeska Grisebach, confesso que pelo hype (a realizadora estará presente?); sobe, adensa, esgarça, desce de Ana Eliseu e Mathilde Neves, por saber e também por ter ajudado; Eureka de Shinji Aoyama, porque a percentagem dos filmes longos que são maus é muito menor; The state I am in/Die Innere Sicherheit de Christian Petzold, sobretudo por isto, e ainda pela Julia Hummer mais pequenina e pelos Baader-Meinhof revisitados em Portugal; Hamaca Paraguaya de Paz Encina, por algumas indicações de que é uma (boa) “grande seca”; Windows on Monday/Montag kommen die Fenster de Ulrich Köhler, porque para variar gostei do trailer e já ouvi a estória em algum lado; Wolfsbergen de Nanouk Leopold, pelas intrigantes imagens e por uma entrevista que vi com a realizadora não me ter afastado; I don’t want to sleep alone de Tsai Ming-Liang, porque me neither; Syndromes and a century de Apichatpong Weerasethakul, não apenas pelo nome impronunciável do realizador. (Não se aceitam reclamações.) |
Com e contra o cinema
Integral dos filmes de Guy Debord - Culturgest, Lisboa
Uma programação de Ricardo Matos Cabo
«O cinema ocupou um lugar central no pensamento e na prática de Guy Debord, na sua crítica das formas de representação e do papel social das imagens. As estratégias e modos de composição formal que caracterizam os seus filmes estão já contidos no seu primeiro gesto cinematográfico, o filme Letrista, Hurlements en faveur de Sade (1952) em que as frases ditas, “desviadas” do seu contexto original, alternadas no ecrã branco (sonoro) e preto (em silêncio), contêm já o seu projecto para uma “dialética da desvalorização / revalorização” dos diferentes elementos em jogo e da negação do cinema tal como o conhecemos. Os filmes posteriores prolongam a prática da apropriação e montagem de imagens de fontes diversas (excertos de jornais filmados, filmes publicitários, filmes de ficção, imagens de banda desenhada, fotografias), de imagens realizadas por Debord, conjugadas com os textos escritos e lidos, igualmente desviados do seu contexto original (citações, textos do próprio autor) a que se acrescenta a utilização pontual da música que serve de contraponto lírico às imagens. As imagens utilizadas constituem ao mesmo tempo documentos e artefactos, contendo de forma imanente a sua própria crítica, em comentários sobre o cinema e os géneros cinematográficos, as combinações entre a imagem e o texto, as relações pessoais e sociais, a ideologia, a luta de classes e a política e o lugar do Homem na História e no sistema espectacular que expõe e critica. Os filmes de Guy Debord intensificam aquilo que na obra do seu autor reflecte um discurso sobre o potencial revolucionário da juventude, sobre a amizade, o amor, conjugando o lirismo e as suas reflexões sobre a cidade, o urbanismo e a arquitectura, num constante olhar retrospectivo sobre o exercício do seu pensamento. As obras cinematográficas de Guy Debord estiveram praticamente invisíveis, interditadas de qualquer projecção pública pelo próprio realizador, após o assassinato do seu produtor Gérard Lebovici em 1984. Disponíveis sobretudo na sua forma escrita numa compilação de textos e imagens organizada pelo autor, os filmes de Guy Debord foram recentemente disponibilizados de novo para circulação, o que permite que possa ser exibida, neste ciclo, a sua obra integral.
Em complemento apresenta-se o filme Letrista L’Anticoncept de Gil J. Wolman, de 1952, um dos mais importantes filmes de vanguarda do pós-guerra e influência determinante para Guy Debord. O filme vai ser apresentado no seu dispositivo original, projectado num balão sonda.» - Ricardo Matos Cabo, comissário
Guy Debord, son art et son temps
Guy Debord/Brigitte Cornand
1994, 60'
6ª, 13 de Abril, 18h30In girum imus nocte et consumimur
igni / Movemo-nos na noite sem
saída e somos devorados pelo fogo
Guy Debord
1978, 105'
6ª, 13 de Abril, 21h30L'anti-concept
Gil J. Wolman
1952, 60'
Hurlements en faveur de Sade
Guy Debord
1952, 75'
Sáb, 14 de Abril, 17hSur le passage de quelques personnes à travers une assez courte unité de temps
1959, 18'
Critique de la séparation
1961, 19'
La société du spectacle
1973, 80'
Réfutation de tous les jugements, tant élogieux qu'hostiles, qui ont été jusqu'ici portés sur le film «La société du spectacle»
1973, 22'
Guy Debord
Sáb, 14 de Abril, 21h30
(Outras leituras de acompanhamento: «In memoriam Guy Debord. O fim do espectáculo» de José Bragança de Miranda, 1995; «Política e arte em Guy Debord» de José Pinto, in Interact, 13, 2007; e «Guy Debord, o cinema da não-separação» de Susana Nascimento Duarte, in Obscena, 3, 2007, pp. 46-49.) |
O cinema de Guy Debord
«O meu intuito é o de aqui definir certos aspectos da poética, ou melhor, da técnica composicional de Guy Debord no domínio do cinema. Evito voluntariamente a expressão “obra cinematográfica”, dado que ele próprio rejeitou que se a pudesse utilizar a seu propósito. “Considerando a história da minha vida, escreveu ele em In girum imus nocte et consumimur igni [1978], não podia fazer aquilo a que se chama uma obra cinematográfica”. De resto, não apenas penso que o conceito de obra não é útil no caso de Debord, como sobretudo me pergunto se hoje, de cada vez que se quer analisar aquilo a que se chama uma obra, quer seja literária, cinematográfica ou outra, não seria necessário colocar em questão o seu próprio estatuto. Em vez de interrogar a obra enquanto tal, penso que é preciso perguntar que relação existe entre o que se podia fazer e o que foi feito. Uma vez, como estava tentado (e ainda estou) a considerá-lo um filósofo, Debord disse-me: “Não sou um filósofo, sou um estratega”. Ele viu o seu tempo como uma guerra incessante em que toda a sua vida estava empenhada numa estratégia. É por isso que penso ser preciso interrogar-nos sobre o sentido do cinema nessa estratégia. Porquê o cinema e não, por exemplo, a poesia, como o foi no caso de Isou, que tinha sido tão importante para os situacionistas, ou porque não a pintura, como para um dos seus amigos, Asger Jorn? Creio que isso se deve à ligação estreita que existe entre o cinema e a história. De onde vem essa ligação, e de que história se trata? Tal deve-se à função específica da imagem e ao seu carácter eminentemente histórico. É preciso especificar aqui alguns detalhes importantes. O homem é o único animal que se interessa às imagens enquanto tais. Os animais interessam-se bastante pelas imagens, mas na medida em que são enganados por elas. Podemos mostrar a um peixe a imagem de uma fêmea, ele irá ejectar o seu esperma; ou mostrar a um pássaro a imagem de outro pássaro para o capturar, e ele será enganado. Mas quando o animal se dá conta que se trata de uma imagem, desinteressa-se totalmente. Ora, o homem é um animal que se interessa pelas imagens uma vez que as tenha reconhecido enquanto tais. É por isso que se interessa pela pintura e vai ao cinema. Uma definição do homem, do nosso ponto de vista específico, poderia ser que o homem é o animal que vai ao cinema. Ele interessa-se pelas imagens uma vez que tenha reconhecido que não se tratam de seres verdadeiros. Um outro aspecto é que, como mostrou Gilles Deleuze, a imagem no cinema (e não apenas no cinema, mas nos Tempos modernos em geral) já não é algo de imóvel, já não é um arquétipo, quer dizer, algo fora da história: é um corte ele próprio móvel, uma imagem-movimento, carregada enquanto tal de uma tensão dinâmica. É essa carga dinâmica que se vê muito bem na fotos de Marey e de Muybridge que estão na origem do cinema, imagens carregadas de movimento. É uma carga deste género que via Benjamin naquilo a que chamava uma imagem dialéctica, que era para ele o próprio elemento da experiência histórica. A experiência histórica faz-se pela imagem, e as imagens estão elas próprias carregadas de história. Poderíamos considerar a nossa relação à pintura sob este aspecto: não se trata de imagens imóveis, mas antes de fotogramas carregados de movimento que provêem de um filme que nos falta. Era preciso restitui-las a esse filme (terão reconhecido o projecto de Aby Warburg). Mas de que história se trata? É preciso esclarecer que não se trata aqui de uma história cronológica, mas a bem dizer de uma história messiânica. A história messiânica define-se antes de mais por dois caracteres. É uma história da Salvação, é preciso salvar alguma coisa. E é uma história última, é uma história escatológica, em que alguma coisa deve ser consumada, julgada, deve passar-se aqui, mas num tempo outro, deve, portanto, subtrair-se à cronologia, sem sair para um exterior. É essa a razão pela qual a história messiânica é incalculável. Na tradição judaica há toda uma ironia do cálculo, os rabinos faziam cálculos muito complicados para prever o dia da chegada do Messias, mas não paravam de repetir que se tratavam de cálculos proibidos, pois a chegada do Messias é incalculável. Mas, ao mesmo tempo, cada momento histórico é aquele da sua chegada, o Messias é sempre já chegado, está sempre já aí. Cada momento, cada imagem está carregada de história, porque ela é a pequena porta pela qual o Messias entra. É esta situação messiânica do cinema que Debord partilha com o Godard das Histoire(s) du cinéma. Apesar da sua antiga rivalidade – Debord disse em 68 de Godard que ele era o mais parvo de todos os Suíços pró-chineses –, Godard reencontrou o mesmo paradigma que Debord tinha sido o primeiro a traçar. Qual é esse paradigma, qual é essa técnica de composição? Serge Daney, acerca das Histoire(s) de Godard, explicou que era a montagem: “O cinema procurava uma coisa, a montagem, e era dessa coisa que o homem do século XX tinha uma necessidade terrível”. É o que mostra Godard nas Histoire(s) du cinéma. O carácter mais próprio do cinema é a montagem. Mas o que é a montagem, ou antes, quais são as condições de possibilidade da montagem? Em filosofia, depois de Kant, chama-se às condições de possibilidade de alguma coisa os transcendentais. Quais são então os transcendentais da montagem? Existem duas condições transcendentais da montagem, a repetição e a paragem. Isto, Debord não o inventou, mas fê-lo vir à luz, exibiu estes transcendentais enquanto tais. E Godard fará o mesmo nas suas Histoire(s). Já não temos necessidade de filmar, basta-nos repetir e parar. Esta é uma nova forma epocal por relação à história do cinema. Este fenómeno espantou-me bastante em Locarno em 1995. A técnica composicional não mudou, é ainda a montagem, mas agora a montagem passa para primeiro plano, e mostra-se enquanto tal. É por isto que se pode considerar que o cinema entra numa zona de indiferença em que todos os géneros tendem a coincidir; o documentário e a narração, a realidade e a ficção. Faz-se cinema a partir das imagens do cinema. Mas voltemos às condições de possibilidade do cinema, a repetição e a paragem. O que é uma repetição? Há na Modernidade quatro grandes pensadores da repetição: Kierkegaard, Nietzsche, Heidegger e Gilles Deleuze. Os quatro mostraram-nos que a repetição não é o retorno do idêntico, do mesmo enquanto tal que revém. A força e o atractivo da repetição, a novidade que traz, é o retorno em possibilidade daquilo que foi. A repetição restitui a possibilidade daquilo que foi, torna-o de novo possível. Repetir uma coisa é torná-la de novo possível. É aí que reside a proximidade entre a repetição e a memória. Dado que a memória não pode também ela devolver-nos tal qual aquilo que foi. Seria o inferno. A memória restitui ao passado a sua possibilidade. É o sentido desta experiência teológica que Benjamin via na memória, quando dizia que a recordação faz do inacabado um acabado, e do acabado um inacabado. A memória é, por assim dizer, o órgão de modalização do real, aquilo que pode transformar o real em possível e o possível em real. Ora, se pensarmos nisso, trata-se também da definição do cinema. Não faz o cinema sempre isso, transformar o real em possível, e o possível em real? Podemos definir o déjà vu como o facto de “percepcionar algo de presente como se já tivesse sido”, e o inverso, o facto de percepcionar como presente algo que foi. O cinema tem lugar nessa zona de indiferença. Compreendemos então porque pode o trabalho com imagens ter uma tal importância histórica e messiânica, pois é uma forma de projectar a potência e a possibilidade em direcção ao que é por definição impossível, em direcção ao passado. O cinema faz então o contrário do que fazem os média. Os média dão-nos sempre o facto, o que foi, sem a sua possibilidade, sem a sua potência, dão-nos portanto um facto por relação ao qual estamos impotentes. Os média adoram o cidadão indignado mas impotente. É mesmo o objectivo do telejornal. É a má memória, a que produz o homem do ressentimento. Ao colocar a repetição no centro da sua técnica composicional, Debord torna de novo possível aquilo que nos mostra, ou antes, abre uma zona de indecidibilidade entre o real e o possível. Quando mostra um excerto do telejornal, a força da repetição é que tal deixa de ser um facto consumado, e volta a ser, por assim dizer, possível. Interrogamo-nos: “Como foi isto possível?” – primeira reacção –, mas ao mesmo tempo compreendemos que sim, tudo é possível, mesmo o horror que nos estão a fazer ver. Hannah Arendt definiu um dia a experiência última dos campos como o princípio do “tudo é possível”. É também nesse sentido extremo que a repetição restitui a possibilidade. O segundo elemento, a segunda condição transcendental do cinema é a paragem. É o poder de interromper, a “interrupção revolucionária” de que falava Benjamin. É muito importante no cinema, mas, uma vez mais, não apenas no cinema. É o que faz a diferença entre o cinema e a narração, a prosa narrativa, com a qual se tem tendência a comparar o cinema. A paragem mostra-nos, pelo contrário, que o cinema está muito mais próximo da poesia que da prosa. Os teóricos da literatura sempre tiveram bastantes dificuldades em definir a diferença entre a prosa e a poesia. Muitos elementos que caracterizam a poesia podem dar-se na prosa (que, por exemplo, do ponto de vista do número de sílabas, pode conter versos). A única coisa que se pode fazer na poesia mas não na prosa são os enjambements e as cesuras. O poeta pode opor um limite sonoro, métrico, a um limite sintáctico. Não se trata apenas de uma pausa, mas de uma não-coincidência, uma disjunção entre o som e o sentido. Por isso pôde Valéry dar uma vez do poema esta definição tão bela: “O poema, uma hesitação prolongada entre o som e o sentido”. É também por isso que Hölderlin pôde dizer que a cesura, ao parar o ritmo e o desenrolar das palavras e das representações, faz aparecer a palavra e a representação enquanto tais. Parar a palavra é subtrai-la ao fluxo do sentido para a exibir enquanto tal. Poderíamos dizer a mesma coisa da paragem tal como Debord a pratica, enquanto constitutiva de uma condição transcendental da montagem. Poderíamos retomar a definição de Valéry e dizer do cinema, pelo menos de certo cinema, que é uma hesitação prolongada entre a imagem e o sentido. Não se trata de uma paragem no sentido de uma pausa, cronológica, mas antes de uma potência de paragem que trabalha a própria imagem, que a subtrai ao poder narrativo para a expor enquanto tal. É neste sentido que Debord nos seus filmes e Godard nas suas Histoire(s) trabalham como essa potência da paragem. Estas duas condições transcendentais não podem nunca estar separadas, existem conjuntamente. No último filme de Debord há um texto muito importante logo no início: “Mostrei que o cinema se pode reduzir a este ecrã branco, e depois a este ecrã negro”. O que Debord entende por isto é precisamente a repetição e a paragem, indissolúveis enquanto condições transcendentais da montagem. O negro e o branco, o fundo em que as imagens estão tão presentes que já nem as conseguimos ver, e o vazio em que não há imagem alguma. Existem aqui analogias com o trabalho teórico de Debord. Se tomarmos, por exemplo, o conceito de “situação construída” que deu o seu nome ao situacionismo, uma situação é uma zona de indecidibilidade, de indiferença entre uma unicidade e uma repetição. Quando Debord diz que é preciso construir situações trata-se sempre de algo que se pode repetir e também algo de único. Debord di-lo também no final de In girum imus nocte et consumimur igni, quando, em vez da tradicional palavra “Fim”, aparece a frase: “A retomar do início”. Há aqui igualmente o princípio que trabalha no próprio título do filme, que é um palíndromo, uma frase que se enrola nela própria. Neste sentido, há uma palindromia essencial no cinema de Debord. Juntas, a repetição e a paragem realizam a tarefa messiânica do cinema de que falávamos. Esta tarefa tem essencialmente a ver com a criação. Mas não é uma nova criação depois da primeira. Não se deve considerar o trabalho do artista unicamente em termos de criação: pelo contrário, no coração de cada acto de criação há um acto de des-criação. Deleuze disse um dia, acerca do cinema, que cada acto de criação é sempre um acto de resistência. Mas o que significa resistir? É antes de mais ter a força de des-criar o que existe, des-criar o real, ser mais forte que o facto que aí está. Todo o acto de criação é também um acto de pensamento, e um acto de pensamento é um acto criativo, pois o pensamento define-se antes de mais pela sua capacidade de des-criar o real. Se esta é a tarefa do cinema, o que será uma imagem que foi assim trabalhada pelas potências da repetição e da paragem? O que muda no estatuto da imagem? É preciso repensar aqui toda a nossa concepção tradicional da expressão. A concepção corrente da expressão é dominada pelo modelo hegeliano segundo o qual toda a expressão se realiza num medium, quer seja uma imagem, uma palavra ou uma cor, que no fim deve desaparecer na expressão acabada. O acto expressivo é consumado quando o meio, o medium, já não é percepcionado enquanto tal. É preciso que o medium desapareça no que nos dá a ver, no absoluto em que se mostra, que nele resplandece. Pelo contrário, a imagem que foi trabalhada pela repetição e pela paragem é um meio, um medium que não desaparece no que nos dá a ver. É o que eu chamaria de “meio puro”, que se mostra enquanto tal. A imagem dá-se a ver ela própria em vez de desaparecer no que nos dá a ver. Os historiadores do cinema assinalaram como uma novidade desconcertante o facto de que, em Monika de Bergman (1952), a protagonista, Harriet Andersson, fixa de repente o seu olhar na objectiva da câmara. O próprio Bergman escreveu a propósito desta sequência: “Aqui e pela primeira vez na história do cinema estabelece-se de súbito um contacto directo com o espectador”. Desde então, a fotografia e a publicidade banalizaram este procedimento. Estamos habituados ao olhar da estrela do porno que, enquanto faz aquilo que tem a fazer, olha fixamente a câmara, mostrando assim que se interessa mais pelos espectadores do que pelo seu partner. Desde os seus primeiros filmes e de forma cada vez mais clara, Debord mostra-nos a imagem enquanto tal, isto é, e segundo um dos princípios teóricos fundamentais de La société du spectacle, enquanto zona de indecidibilidade entre o verdadeiro e o falso. Mas existem duas maneiras de mostrar uma imagem. A imagem exposta enquanto tal já não é imagem de nada, é ela própria sem imagem. A única coisa da qual não se pode fazer imagem é, por assim dizer, o ser imagem da imagem. O signo pode significar tudo, excepto o facto de estar a significar. Wittgenstein dizia que o que não se pode significar, ou dizer num discurso, o que é de alguma forma indizível, isso mostra-se no discurso. Existem duas formas de mostrar essa relação com o “sem-imagem”, duas formas de dar a ver que já não há nada para ver. Uma é o porno e a publicidade, que fazem como se houvesse sempre o que ver; ainda e sempre imagens por detrás das imagens; a outra a que, nessa imagem exposta enquanto imagem, deixa aparecer o “sem-imagem”, que é, como dizia Benjamin, o refúgio de toda a imagem. É nesta diferença que se jogam toda a ética e toda a política do cinema.» Giorgio Agamben, «Le cinéma de Guy Debord» (1995), Image et mémoire, Hoëbeke, 1998, pp. 65-76. |
Psiu!
dedicado ao Luís Miguel Correia e ao Luís Miguel Oliveira Por exemplo, neste divertido (digo eu) excerto de Francisca (1981) de Manoel de Oliveira, em que a personagem de Camilo (des)conversa com um amigo na ópera, o que nos dá a sensação do silêncio? Certamente que a brilhante utilização da música. Mas repare-se também como, para além da natureza relativamente pomposa do diálogo, nada parece definir melhor estas personagens do que o modo como se calam somente quando a música se exalta, porquanto permanecem em murmúrio audível quando ela está contida. Eis aqui em acção um humor muito fino... (A propósito de humor, esta cena comporta igualmente a típica languidão dos corpos nos filmes de Oliveira que Herman José outrora tão bem captou. Se é certo que daí se formou depois um cliché infeliz, não é menos certo que esse humor verdadeiramente funcionava, precisamente porque captava em profundidade uma expressão única que apenas se encontrava nos filmes de Oliveira e que era uma qualidade neles irredutível quanto a uma presença singular dos corpos, que tinha, entre outras coisas, que ver com a sua lentidão. Hoje, quando se refere a Oliveira, Herman José consegue apenas desdenhar, como se soubesse mais do que aquilo que é capaz de captar, e isso é apenas prova da sua enorme falência, mais do que a de Oliveira, certamente). Outro aspecto divertido deste excerto prende-se com a etologia da sala de espectáculos em geral. O comportamento em torno da exigência de silêncio e da não-perturbação, compreensivelmente necessários para a fruição estética, por exemplo no cinema, atinge por vezes foros de insanidade. Do outro lado da trincheira parece haver uma sobressaliência, uma consciência extrema e tomada de um prazer perverso, por parte dos que perturbam a percepção fechada, com sacos de plásticos crepitantes (homens), desdobrar infinito de rebuçados (mulheres) ou relógios que parasitam o nosso ouvido, ou ainda por aquelas pessoas que não sabem sussurrar, falando ao ouvido das outras como se estivessem ainda a uma enorme distância, etc. Mas o pior mesmo são afinal os que da perturbação se servem para policiarem os outros espectadores, fazendo da sua exigência de silêncio um espectáculo em si, agora da miséria comezinha e das patologias mentais à espreita. |
Humor ou ironia
«Humor inglês (?), humor judeu, humor estóico, humor zen, que curiosa linha quebrada. O ironista é sempre aquele que discute os princípios; está à procura de um primeiro princípio, ainda mais primeiro do que o primeiro; encontra uma causa ainda mais primeira do que as outras. Não cessa de subir, de remontar. É por isso que procede por questões, é o homem da entrevista, do diálogo, tem um certo tom, sempre do significante. O humor é precisamente o contrário: os princípios contam pouco, toma-se tudo à letra, logo se vê as consequências (é por isso que o humor não passa nos jogos de palavras, pelos trocadilhos, que são o significante, que são como um princípio no princípio). O humor é a arte das consequências ou dos efeitos: está bem, está tudo bem, dão-nos isto? Verão o que daqui faremos sair. O humor é traidor, é a traição. O humor é atonal, absolutamente imperceptível, faz uma coisa fugir. Está sempre no meio, no caminho. Não sobe nem remonta nunca, está à superfície: os efeitos de superfície, o humor é uma arte de acontecimentos puros. [...] Todo o destino da ironia está ligado à representação, a ironia assegura a individuação do representado ou a subjectivação do representante. [...] Não são os problemas do humor, que nunca cessou de desfazer os jogos dos princípios ou das causas em prol dos efeitos, os jogos da representação em prol do acontecimento, os jogos da individuação ou da subjectivação em prol das multiplicidades. Há na ironia uma pretensão insuportável: a de pertencer a uma raça superior, e de ser a propriedade dos mestres (um texto famoso de Renan di-lo sem ironia, dado que a ironia cessa depressa quando fala de si própria). O humor reclama-se, pelo contrário, de uma minoria, de um devir-minoritário [...]» Gilles Deleuze, Dialogues, Flammarion, Paris, 1977, pp. 82-84 |
«In the beginning... Oh, long before that! When light was deciding who should be in and who should be out of the spectrum, yellow was in trouble... [9:51] As an intellectual vibration, smacked dead in the middle of the spectrum, green can be a problem... [28:59] Lavender is an old, old, old, old lady... tell us all, where day goes with night, and what they do there, and what it means...» [37:36] Fuga da arte de Ricardo Saló, 1.4.2007 |
Outros filmes de Abril
 Honor de cavalleria Albert Serra 2006, 110’ 14h30, 17h, 19h30, 21h30, (00h15) Medeia King 3, Lisboa |  The night of the iguana John Huston 1964, 116’ 4ª, dia 11, 22h Cinemateca, Lisboa |  Dead man Jim Jarmusch 1995, 121’ 5ª, dia 12, 19h 6ª, dia 20, 22h Cinemateca |
 Lola Jacques Demy 1960, 85’ 6ª, dia 13, 19h30 Cinemateca |  In girum imus nocte et consumimur igni / (Movemo-nos na noite sem saída e somos devorados pelo fogo) Guy Debord 1978, 105’ 6ª, dia 13, 21h30 Culturgest, Lisboa |  La ragazza con la valigia Valerio Zurlini 1961, 115’ 3ª, dia 17, 19h Cinemateca |
 Domingo à tarde António de Macedo 1965, 93’ 3ª, dia 17, 22h Cinemateca |  Adieu phillipine Jacques Rozier 1962, 106’ 3ª, dia 24, 22h Cinemateca |
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