Ainda não começámos a pensar
                                               We have yet to start thinking
 Cinema e pensamento | On cinema and thought                                                                              @ André Dias

Raros filmes de Abril


Unsere Afrikareise 
Peter Kubelka

1966, 13’, 16mm
Ouvir : Ver
A experiência do som no cinema
*
(prog. Ricardo Matos Cabo)

4ª, dia 1, 21h30
Culturgest, Lisboa


La mujer sin cabeza
Lucrecia Martel

2008, 87’
estreia 5ª, dia 2
14h, 16h, 18h, 20h, 22h, (00h)
Medeia King 1, Lisboa


Le tempestaire
Jean Epstein
1947, 22’, 35mm
Ouvir : Ver

5ª, dia 2, 18h30 – Culturgest


Inazuma / Relâmpago
Mikio Naruse
1952, 87’
Finalmente Naruse!
5ª, dia 2, 19h30
Cinemateca*, Lisboa

Song of Ceylon
Basil Wright
1934, 37’, 35mm
Ouvir : Ver
5ª, dia 2, 21h30 – Culturgest

Hallelujah
Mauricio Kagel
1967, 40’, 16mm
Ouvir : Ver
Sáb, dia 4, 18h30 – Culturgest


Midaregumo /
Nuvens dispersas

Mikio Naruse
1967, 108’
Finalmente Naruse!
6ª, dia 17, 19h  Cinemateca


Out of the past
Jacques Tourneur

1947, 96’
História permanente do cinema
Sáb, dia 18, 19h – Cinemateca


Yama no oto /
A voz da montanha

Mikio Naruse
1954, 96’
Finalmente Naruse!
3ª, dia 21, 19h – Cinemateca

Umberto D
Vittorio De Sica
1952, 89’
3ª, dia 21, 19h30 – Cinemateca


Midareru / Tormento
Mikio Naruse
1964, 97’
Finalmente Naruse!
4ª, dia 22, 22h – Cinemateca

Lektionen in Finsternis /
Lessons of darkness
Werner Herzog
1992, 52’
Herói independente: Werner Herzog
(prog. Grazia Paganelli)
IndieLisboa 2009*
6ª, dia 24, 22h – Fórum Lisboa


Sud pralad / Tropical malady
Apichatpong Weerasethakul
2004, 118’
Metamorfoses
(prog. Dominique Païni)
2ª, dia 27, 22h – Cinemateca



Auch Zwerge habe klein
angefangen
/
Even dwarfs started small
Werner Herzog

1970, 96’
Werner Herzog
IndieLisboa 2009
4ª, dia 29, 22h – Fórum Lisboa


Aguirre, der Zorn Gottes /
Aguirre, the wrath of God
Werner Herzog
1972, 93’
Werner Herzog
IndieLisboa 2009
5ª, dia 30, 22h – Fórum Lisboa
 

[apenas filmes vistos, sem repetições, em formatos originais]

Cinema Quarta 1, Quinta 2, Sexta 3, Sábado 4, Domingo 5 e Segunda 6 de Abril de 2009
Pequeno Auditório · 3,5 Euros (Preço único)


Ouvir : Ver
A experiência do som
no cinema

Programação: Ricardo Matos Cabo

Rameau's Nephew by Diderot (Thanks to Dennis Young) by Wilma Schoen de Michael Snow © Jeff Guess / Re:Voir


Classificação: M/12

Informações e reservas
21 790 51 55
culturgest.bilheteira@cgd.pt

A natureza das relações entre o som e a imagem no cinema foi o ponto de partida para este programa. Não é estritamente um programa sobre o som no cinema, ou sobre o desenvolvimento do sonoro, mas um percurso por diversas formas de pensar as complementaridades entre o som e a imagem; por tentativas de harmonização / conflito entre os dois elementos; finalmente, por uma série de obras muito diversas entre si que privilegiam as questões relacionadas com a visualização da experiência sonora pelo meio da imagem.


QUARTA-FEIRA 1
18h30
Histórias sonoras
Celles qui s'ent font
de Germaine Dulac, 1930, 35mm (transferido para vídeo), 5′17″, versão original
Odna (Sozinha)
de Grigori Kozintsev e Leonid Trauberg, 1931, 35mm, v.o. leg. em português, 1h20
Sozinha é um dos mais importantes filmes de ficção da transição do mudo para o sonoro. Pensado como um filme sonoro e finalmente filmado sem som, foi posteriormente orquestrado e pós-sincronizado com uma composição de Dmitri Shostakovich e complementado com diversos efeitos sonoros e alguns diálogos. Um filme notável pela forma como se mostra o contraste entre os espaços urbanos e os locais longínquos das montanhas, filmados com rigor etnográfico e um respeito pela preservação e registo dos costumes e tradições. A abrir, um dos Discos Ilustrados de Germaine Dulac, curtos filmes mudos que eram sincronizados ao vivo com música, estabelecendo um diálogo entre a imagem e o som.

21h30
Os ouvidos, mais atentos do que os olhos
Les Nuits Eléctriques
de Eugène Deslaw, 1930, 35mm, 8'10'', versão original
Weekend
de Walther Ruttmann, 1930, 35mm (gravação em DVD), v.o., 11'10''
Entuziazm (Sinfoniia Donbassa)
de Dziga Vertov, 1930 (1972), 35mm, v.o. leg. em português, 1h05
Unsere Afrikareise
de Peter Kubelka, 1966, 16mm, 12'50'', versão original, legendado em português
Um documentário de Dziga Vertov em três movimentos sobre o primeiro plano quinquenal soviético do final dos anos 20. É um trabalho de montagem e organização sonora das imagens numa crescente tensão entre o som e a imagem. O filme, redescoberto pelos movimentos de vanguarda da década de 60, é aqui apresentado no restauro feito por Peter Kubelka, que restituiu ao filme a relação original pretendida entre o som e a imagem. A abrir, um filme de Deslaw, que terá sido apresentado com acompanhamento ao vivo de Luigi Russolo, e a montagem sonora de Walther Ruttmann.


QUINTA-FEIRA 2
18h30
Já sabemos ver, mas agora vamos ouvir a erva a crescer
What the Water Said, nº 4-6
de David Gatten, 2007, 16mm, 17’
Le Tempestaire
de Jean Epstein, 1947, 35mm, v.o. francês, 22’
Looking at the Sea
de Peter Hutton, 2000-1, 16mm, 20’
O filme de Epstein é o culminar da reflexão cinematográfica do realizador e uma verdadeira revolução sonora. É a aplicação ao cinema das possibilidades expressivas e poéticas da utilização dos movimentos da imagem e do som, neste caso do ralenti sonoro. Três explorações do poder evocativo do mar e do cinema – a materialidade da acção na película dos elementos naturais no filme de David Gatten e o imagismo silencioso do filme de Peter Hutton.

21h30
A orquestração sonora
Über ‘Song of Ceylon’ von Basil Wright
de Harun Farocki, 1975, vídeo, v.o. leg. em português, 25’
Song of Ceylon
de Basil Wright, 1934, 35mm, v.o. inglês, 38’
Coal Face
de Alberto Cavalcanti, 1935, 35mm, v.o. inglês, 12’
Os dois documentários programados nesta sessão evidenciam a criatividade da Unidade de Produção Cinematográfica dos Correios Britânicos na década de 30. Coal Face prolonga a experimentação sonora de Song of Ceylon e as ideias de Cavalcanti sobre a orquestração eficaz da música e dos sons naturais ao serviço de uma maior expressividade documental. O filme de Harun Farocki é uma análise visual do filme de Basil Wright, realizada para a televisão em 1975.


SEXTA-FEIRA 3
18h30
O sentido silencioso do filme: Stan Brakhage
Carl Ruggles Christmas Breakfast
de Carolee Schneemann, 1963, 8mm (transferido para vídeo), v.o. inglês, 9’
Desistilm
de Stan Brakhage, 1954, 16mm, 7’
Scenes from Under Childhood Section #1
de Stan Brakhage, 1967, 16mm, sem som, 25’
The Riddle of Lumen
de Stan Brakhage, 1972, 16mm, 14’
Passage Through: A Ritual
de Stan Brakhage, 1990, 16mm, 50’
Poucos cineastas reflectiram de modo tão fundamental a relação do som com a imagem, influenciando de modo decisivo a sua prática artística. A adopção do silêncio e rejeição absoluta do som como princípio formal da maior parte dos seus filmes levou a uma aproximação confessa a modelos de montagem e composição próximos de uma concepção musical. Esta sessão é um percurso pela obra do realizador tendo em atenção algumas das suas colaborações com compositores como James Tenney. Passage Through: A Ritual é um dos mais singulares filmes do realizador, uma resposta a uma composição de Phillip Corner, inspirada por seu lado num dos seus filmes, The Riddle of Lumen. A abrir, um filme recentemente recuperado, o registo de uma visita da realizadora Carolee Schneemann ao compositor Carl Ruggles.

21h30
Robert Beavers
From the Notebook of...
de Robert Beavers, 1971 / 1998, 35mm, 45’
AMOR
de Robert Beavers, 1980, 35mm, 15’
Os filmes de Robert Beavers constituem um corpo de trabalho notável composto ao longo das últimas décadas. São filmes sobre o sentimento do lugar, da arquitectura e da paisagem, dos objectos e dos gestos que os produzem, filmes de um profundo materialismo que procuram uma relação imediata e concreta com o som e com a imagem. Para esta sessão procura-se destacar o trabalho de som nos filmes do cineasta, entre o som directo e os sons sugeridos, com um dos filmes que serve de introdução aos principais temas e à forma de trabalho de Beavers e um exemplo mais tardio na sua obra.


SÁBADO 4
15h30
Correspondências entre o som e a imagem
Das Tönende Handschrift
de Rudolph Pfenninger, 1929, 35mm (transferido para vídeo), v.o. leg. em português, 10'
Tönende Ornamente
de Oskar Fischinger, 1932, 16mm, 3'20''
Five Film Exercises
de John Whitney e James Whitney, 1941-1945, 16mm, 21'
Dots
de Norman McLaren, 1940, 35mm, 2'21''
Pen Point Percussion
de Norman McLaren, 1951, 35mm, v.o. inglês, 5'58''
Synchromie
de Norman McLaren, 1971, 35mm, 7'27''
Soundtrack
de Barry Spinello, 1969, 16mm, 10'
Articulation of Boolean Algebra for Film Opticals
de Tony Conrad, 1975, 16mm, 10' (excerto de 75')
A procura de uma equivalência entre o som e a imagem corresponde, na história do cinema, a um género particular de exploração das possibilidades contidas no próprio material fílmico. Os filmes apresentados nesta sessão investigam a complementaridade e interacção som/imagem, a possibilidade de tornar visíveis os sons através da síntese sonora. Inclui pequenos documentários que permitem perceber a técnica da “escrita visual” no filme dos pioneiros Pfeninger e McLaren, a ideia da ornamentação sonora em Fischinger, os espantosos exercícios visuais dos irmãos Whitney, as experiências de unidade som/imagem de Barry Spinello e um excerto de um filme de Tony Conrad que procura, de modo diverso, questionar a unidade som/imagem.

18h30
Mauricio Kagel, realizador
Symphonie Mécanique
de Jean Mitry, 1955, 35mm, 13’
Antithese
de Mauricio Kagel, 1965, 16mm (transferido para vídeo), 19’
Hallelujah
de Mauricio Kagel, 1967, 16mm, v.o. alemão, 40’
Dois filmes notáveis de Mauricio Kagel, que representam duas fases distintas da sua prática cinematográfica: Antithese, o seu primeiro filme é uma aproximação cinematográfica ao plano teatral e de registo de uma composição e Hallelujah é já uma composição para cinema na equivalência total entre a imagem e o som. Em complemento, a pesquisa visual e sonora de Jean Mitry e Pierre Boulez.

21h30
A voz: série, repetição
Synch Sound
de Taka Iimura, 1975, 16mm, 12’
Paul Celan Liest
de Ute Aurand, 1985, 16mm, v.o. inglês, 5’
Picture and Sound Rushes
de Morgan Fisher, 1973, 16mm, v.o. inglês, 11’
Hapax Legomena III: Critical Mass
de Hollis Frampton, 1971, 16mm,v.o. inglês, 25’
Done To
de Lawrence Wiener, 1974, 16mm (transferido para vídeo),v.o. inglês, 20’
Episodic Generation
de Paul Sharits, 1978, 16mm, v.o. inglês, 30’
Sessão organizada segundo um princípio comum a todos os filmes: a exaustão de uma forma através da repetição e da reverberação. O filme de Iimura é um jogo formal entre o tempo e os elementos sonoros e visuais de uma banda de som. Paul Celan Liest é uma visualização da voz de Paul Celan a ler três poemas. Morgan Fisher explora as ironias que surgem da normatividade dos processos técnicos e industriais no cinema, esgotando as possibilidades de relação som / imagem. Os filmes de Frampton e Wiener colocam em cena uma batalha de dissonâncias e cortes sonoros, numa estrutura de repetição e exaustão metafórica entre o material fílmico e o que vemos nas imagens. Finalmente, o filme de Paul Sharits reflecte o interesse do autor pelo som, na versão para ecrã de uma instalação sobre o eco e a perda da definição da imagem e do som pela sobreposição.


DOMINGO 5
15h00
Michael Snow e as relações som – imagem
Finding His Voice
de F. Lyle Goldman e Max Fleisher, 1929, 35mm (transferido para vídeo), 10’39’’
Rameau’s Nephew by Diderot (Thanks to Dennis Young) by Wilma Schoen
de Michael Snow, 1974, 16mm, v.o. inglês, 270’
Uma série de tentativas para realizar um verdadeiro “filme falado” da autoria de Wilma Schoen (alter-ego do realizador), tendo como actores Annette Michelson, Nam June Paik, entre muitos outros. O resultado é um vigoroso diálogo entre o som e a imagem, composto por vinte e cinco sequências sonoras com durações que vão dos 4 aos 55 minutos, separadas por vinte e sete abstracções cromáticas e sem qualquer sequência narrativa entre si. Desde o seu primeiro filme que Michael Snow se concentrou na questão da composição de relações fortes entre o som e a imagem. Rameau’s é a sua composição mais radical nessa sua reflexão sobre a natureza do som no cinema e o seu confronto com as mais variadas modalidades da imagem (da imagem abstracta à representação “realista” e da linguagem enquanto categoria da representação. A introduzir, uma animação sobre um filme mudo que procura a sua voz.


SEGUNDA-FEIRA 6
18h30
Uma sinfonia urbana
Sound Track
de Guy Sherwin, 1977, 16mm, som, 9’
Aru Kikanjoshi (Um Assistente de Maquinista)
de Tsuchimoto Noriaki, 1965, 35mm, 37’, versão original, legendado em inglês
Dokyumento Rojo (Na Estrada: um documento)
de Tsuchimoto Noriaki, 1965, 35mm, 54’, versão original, legendado em inglês
Na Estrada: um documento é apenas o segundo documentário do realizador e é bastante diferente dos filmes que realizou desde então (sobretudo centrados na tragédia ambiental e humana de Minamata). É um retrato da vida de um taxista na Tóquio de 1963 e um documento sobre as precárias condições de trabalho na cidade em transformação. Na atenção que presta aos gestos e sons da cidade, o filme constitui uma espantosa sinfonia urbana. Em complemento, o primeiro filme do realizador e a abrir a sessão um filme de Guy Sherwin, uma filmagem dos carris de uma ferrovia cuja imagem transborda para a banda sonora, sendo o som o resultado directo daquilo que vemos projectado.

21h30
Olhar e ouvir: James Benning
RR
de James Benning, 2007, 16mm, 112’
RR é composto por 43 planos fixos de comboios de mercadorias, cuja duração é determinada pelo tempo que demoram a passar na imagem. Como sempre no trabalho do realizador norte-americano, o filme joga-se no equilíbrio entre a observação de um dado espaço/tempo e as expectativas provocadas pelo reconhecimento dessas imagens e sons quando contrastados com a história geográfica, política e social dos Estados Unidos.








Ao pé da letra #41 (António Guerreiro)

«O demónio da fraseologia tem efeitos perversos

De Hannah Arendt, por mediação jornalística, chega até nós, em ocasiões favoráveis, muita “banalidade do mal”. A última ocasião maligna foi oferecida pelo austríaco Josef Fritzl. Banalizadas e quase sem mal, a noção de Arendt e toda a fraseologia que geralmente a acompanha já só nos conseguem fazer pensar que também há, em larga escala, uma banalidade do bem – o demónio da reversibilidade está sempre à espreita. Ao utilizar essa noção, a filósofa alemã estava a deslocar o conceito kantiano de “mal radical”.


Tendo assistido ao julgamento de um funcionário nazi, Arendt chegara à conclusão de que os actos eram monstruosos mas o responsável por eles era completamente vulgar, igual a toda a gente, sem nada de demoníaco, mais caracterizado pela falta de pensamento do que pela estupidez. Utilizando o qualificativo “banal” onde todos esperavam ver “radical” (e, desse modo, dando origem a uma enorme polémica), H. Arendt entendeu que “radical” é o que tem a ver com a profundidade das raízes, da vontade perversa e da maldade essencial das paixões. O que não era o caso daquele medíocre chamado Eichmann. E quanto a Josef Fritzl?»

António Guerreiro, «Ao pé da letra», Expresso-Actual
, 28.3.2009.


Kunst der Vermittlung
Aus den Archiven des Filmvermittelnden Films
Art of Commenting
From the Archives of Movie-Commenting Movies
http://kunst-der-vermittlung.de



The project of »Entuziam e.V. Freunde der Vermittlung von Film und Text«, which is funded by the German »Kulturstiftung des Bundes« and the »Bundeszentrale für Politische Bildung«, deals with the tradition and actual state of audiovisual tools and films and works of art for analysing cinema's history and aesthetics. We try to collect, portray and list films commenting on films and make available as much information as possible. In addition we have prepared 13 programmes in Vienna, Berlin, Cologne and Bremen with film-commenting movies and with international guests who are working in this field as authors, directors, producers, critics. The guests include Alain Bergala, Gustav Deutsch , Jean Douchet, Harun Farocki, Tag Gallagher, Alexander Horwath and many others.

We are mainly focussed on five modes of production and distribution:
– »Television«, which has, at least here in Germany and its strong PBS realm, a long tradition of producing movie-commenting movies, beginning in the 60's up till the now.
– »Art« where from the beginning of the modernist movement movies like Bruce Connor's »A Movie« deal with film and it modes of production and representation. This includes »material«-movies as well as found-footage pieces.
– »DVD« and its diverse practices of re-presenting existing material and also since the end of the 90ies producing supplementary films (bonus, featurette, interviews, slide-shows, audio-commentary tracks, etc.).
– »Internet« and the practice of »user generated content«, distributed through platforms like »youtube« and »vimeo«, containing a wide range of aesthetic approaches.
– »Education«, which was and is, at least in France, a major force for the production of film-commenting films. For example directors like Jean Eustache, Marc Allegret and Eric Rohmer made films about french film history during the 60ies, Jean Douchet directed movies about classic movies during the 80ies and critics like Alain Bergala are responsible for a wide range of analytical and educational movies distributed through DVDs from the end of the 90ies up till now.

Through the means of a cross-referencing filmography we want to show and expand the possibilites of artistic approaches, research and education on film-history and aesthetics. Since we are only at the start of working on this kind of filmography the results are fairly small up till now.


Our next three programmes in Berlin are about
experimental movies on movies (with Dirk Schaefer) on March 27 at Kino Arsenal, Berlin:

Bruce Conner: A MOVIE USA 1958
Standish Lawder: COLOR FILM USA 1971
Abigail Child: COVERT ACTION USA 1984
Matthias Müller, Christoph Girardet: PHOENIX TAPES, »Bedroom« chapter GB/D 1999
Peter Tscherkassky: INSTRUCTIONS FOR A LIGHT AND SOUND MACHINE AUS 2005
Dirk Schaefer: VORFÜHRKOPIE D 2007
– internet-related forms of production and distribution (with Sebastian Lütgert from Berlin and Kevin B. Lee from NYC) and
– film history (with Tag Gallagher).

At the end of the project in July there will be a program with Jean Douchet from Paris.



Ao pé da letra #40 (António Guerreiro)

«O Dia Mundial da Poesia é uma invenção divertida

Hoje, 21 de Março, é o Dia Mundial da Poesia. Esta data comemorativa está para as coisas da poesia como o Movimento Nacional Feminino estava para o teatro de operações da guerra colonial: é uma manifestação de voluntarismo e boa vontade que não interfere no curso dos acontecimentos. Sendo inócua, comporta no entanto o risco de insinuar que a poesia é uma causa que é preciso defender através dos meios da promoção cultural.


Ora, ao contrário do que parece à primeira vista, a poesia está muito mais protegida das actuais circunstâncias adversas do que, por exemplo, o romance. O romance como género literário tornou-se vítima do seu próprio sucesso e ficou enredado nas estratégias fatais da indústria editorial. Tudo é como sempre foi: há bons romances e maus romances; há boa poesia e má poesia. Mas o que é hoje diferente é a produção parasitária com que tem de se defrontar aquilo a que se chama ‘ficção’ nos suplementos literários. Um exemplo eloquente desta hipertrofia é a caracterização ad hoc que, para efeitos de recensão e divulgação, faz de tudo o que não é romance algo para o qual só há uma definição negativa: ‘não-ficção’.»

António Guerreiro, «Ao pé da letra»,Expresso-Actual
, 21.3.2009 [na mesma edição, um outro artigo mais longo sobre «A hipótese comunista».



Godard on September 11th

Ao pé da letra #39 (António Guerreiro)

«A diferença entre cultura e natureza é insolúvel

Na discussão sobre os casamentos homossexuais emerge constantemente a velha e insolúvel oposição entre natureza e cultura. De um lado, estão os que tentam encontrar uma lei natural, uma determinação da natureza, a-histórica, enquanto razão última de instituições e comportamentos; do outro, os que identificam como construção cultural e social (e, portanto, ideológica) aquilo onde os outros só vêem natureza.  


Podemos mesmo dizer que passa por aqui a linha de fronteira mais marcada entre um pensamento de direita (fixado em fundamentos naturais) e um pensamento de esquerda (que pretende dismistificar e pôr em relevo os processos culturais). Invocar a ciência para resolver algumas questões não ajuda nada, como sabemos pela politização da biologia no século XX (nomeadamente a que foi realizada pelos nazis). E se a diferença entre homem e mulher é, no fundo, a matriz de todas as diferenças, quando passamos para noções como ‘masculino’ e ‘feminino’ já estamos no campo ideológico das convenções e das aprendizagens, como a história dos costumes não pára de nos ensinar. E se o sexo, seja ele homo ou hetero, não tivesse nunca nada de natural?»
António Guerreiro, «Ao pé da letra»,Expresso-Actual, 14.3.2009.

Una donna / fa paura / per pensare

De Tarde / Nachmittag (2007) de Angela Schanelec com uma surpresa!
Sáb, dia 14, 21h30 - Culturgest a realizadora falará no início da sessão sobre os seus projectos e filmes mais recentes
 

Giovanna Marini, «Ulrike Meinhof» in Correvano coi carri, Ala Bianca, 1979


Luís Miguel Oliveira, Público-Ípsilon, 6.3.2009.

Ao pé da letra #38 (António Guerreiro)

«Há livros que aparecem como uma fraude editorial

Uma cláusula de prestígio e beneficência –ainda não completamente extinta, por inércia  protege os livros e a edição. No entanto, é preciso começar a contar cada vez mais com os livros que se apresentam ao leitor como uma fraude editorial. Um exemplo: A obra aberta que acaba de sair na Difel. Trata-se de um livro do núcleo mais duro e científico de Umberto Eco, de uma época em que o autor era um glorioso expoente da semiótica e da narratologia.


Este livro para universitários iniciados na linguística e na ciência do texto narrativo aparece ao leitor com uma capa que mente ao leitor por todos os lados: nos códigos gráficos, que remetem para uma outra espécie bibliográfica (o nome do autor muito ampliado, em letras verde-prateadas em relevo); na inscrição de uma frase, na capa, retirada do Diário de Notícias: “Uma obra-prima estimulante e inovadora, fundamental para a reflexão e compreensão da realidade em que vivemos.” Esta “obra-prima” não é absolutamente nada do que aqui se diz, não se destina a um público universal como se sugere e tem uma história que torna ridículo e fraudulento querer caucioná-la com citações de jornais.»

António Guerreiro, «Ao pé da letra»,Expresso-Actual, 7.3.2009.




Cinema Quinta 12, Sexta 13, Sábado 14 e Domingo 15 de Março de 2009
Pequeno Auditório · 3,5 Euros (Preço único)


A crueldade depois do teatro Os filmes de Angela Schanelec

Programação: André Dias




Angela Schanelec em De Tarde



Filmes legendados em português

Classificação: M/12

Informações e reservas
21 790 51 55

culturgest.bilheteira@cgd.pt



Angela Schanelec é a voz mais singular do cinema alemão contemporâneo. Nascida em 1962 na Alemanha ocidental, estudou representação em Hamburgo e foi actriz em vários grupos de teatro importantes, como a Schaubühne de Berlim, até 1991. Desagradada com o modo de representação praticado, abandonou os palcos para voltar a estudar numa academia de cinema em Berlim - a dffb. Desde 1995, Schanelec escreveu e realizou as cinco longas metragens de ficção, exibidas nos festivais de Cannes, Veneza e Berlim, que compõem esta retrospectiva integral.
O cinema de Angela Schanelec define-se por uma atenção particular ao quotidiano das pessoas, em particular àqueles momentos em que elas reflectem sobre a sua vida. Não é, portanto, um cinema do mutismo. No seio de relações amorosas e familiares difíceis, as personagens lutam com as palavras, expondo-se constantemente aos limites do que conseguem expressar. Talvez por isso raie a crueldade, se a entendermos como algo que não tem por fim magoar, mas que se esforça por fazer emergir a verdade. Numa sociedade que selecciona de forma tão descarada os seus "momentos da verdade", Schanelec acolhe outros momentos plenos de subtileza e segredo, que são o oposto da confissão pública e da falsa familiaridade com a verdade.
Muito belos plasticamente, de um cuidado extremo com a luz natural, fruto da duradoura parceria com o director de fotografia Reinhold Vorschneider, estes filmes têm também o seu quê de autobiográfico e mesmo de feminista. Neles, mulheres emancipadas buscam uma vida com sentido. Mas tal nasce de dentro, da intimidade, sem um discurso social que o justifique. De resto, é abstraindo desse ambiente social, que daria as respostas em vez das pessoas, que estes filmes oferecem uma experiência emocional tão forte.
A realizadora, a quem foi dada igualmente uma carta branca para uma sessão, estará presente para orientar um workshop e partilhar das impressões dos espectadores.


Quinta 12, 21h30
A Sorte da Minha Irmã
Das Glück meiner Schwester, 1995, 35mm, 81'
Ao começo da noite, à saída de um parque da cidade, Ariane conversa com Christian enquanto aguardam pelo autocarro. Ariane receia ser deixada por ele, que se apaixonou pela sua irmã Isabel... Com a própria Angela Schanelec como Isabel, esta sua primeira longa metragem centra-se na passagem do tempo sobre um doloroso triângulo amoroso. Um filme também sobre o efeito do ruído urbano nas relações afectivas.

Sexta 13, 18h30
Primeiros filmes
Bela Cor Amarela / Schöne gelbe Farbe, 1991, 16mm, 5' ; Muito Longe / Weit entfernt, 1992, 16mm, pb, 9'; Praga, Março 92' / Prag. März 92, 1992, 16mm, 14'; Passei o Verão em Berlim / Ich bin den Sommer über in Berlin geblieben, 1993, 35mm, 49'
Realizadas no contexto escolar da dffb, estas primeiras curtas metragens, de natureza mais experimental, mostram a importância que o texto e a indagação dos lugares na cidade adquirirão na obra de Schanelec. Já a média metragem Passei o Verão em Berlim, que acompanha o percurso paralelo e acidentado de uma escritora e de um editor até ao seu encontro de final surpreendente, é uma obra portentosa em sim mesma. Matriz de tudo o que estava para vir, não deixava dúvida alguma acerca da singularidade do seu gesto cinematográfico.
A realizadora falará no início da sessão sobre as suas influências e o seu percurso.

Sexta 13, 21h30
Lugares nas Cidades
Plätze in Städten, 1998, 35mm, 117'
Mimmi, jovem de amores incertos e relação difícil com a mãe, termina o liceu. Durante uma excursão a Paris, conhece um rapaz e passa a noite com ele. Ao voltar à Alemanha descobre que está grávida. Volta para Paris, onde hesita longamente sobre o que fazer. Admirado por muitos como o melhor filme de Schanelec, é certamente um dos mais sinceramente bressonianos de todo o cinema contemporâneo. É também o que menos investe na palavra para expressar as hesitações das personagens.

Sábado 14, 18h30
Carta branca a Angela Schanelec
Rainha de ouros / Queen of diamonds de Nina Menkes, 1991, 35mm, 77'
Revelou-se deveras surpreendente a escolha de Schanelec para a apresentação de um filme de outro autor. Em vez de uma influência reconhecível, uma realizadora sua contemporânea. Este filme da independente americana Nina Menkes, completamente desconhecida em Portugal apesar de um certo culto de que goza nos Estados Unidos, centra-se na vida alienada de uma empregada de casino em Las Vegas. Foi comparado por um crítico dos Cahiers du Cinéma a Jeanne Dielman de Chantal Akerman.

Sábado 14, 21h30
De Tarde
Nachmittag, 2007, 35mm, 97'
Um retrato de família e de pessoas aprisionadas em si próprias nas tardes de Verão de uma casa de lago. Entre a beleza lancinante da imagem e da representação e a crueldade que nelas se inscreve, a obra mais recente e extrema de Schanelec é uma adaptação livre d'A gaivota de Tchékhov.
A realizadora falará no início da sessão sobre os seus projectos e filmes mais recentes.

Domingo 15, 18h30
A Minha Vida Lenta
Mein langsames Leben, 2001, 35mm, 85'
Duas jovens mulheres sentadas num café, uma família que chega ao aeroporto, uma mulher mais velha sentada sozinha num comboio, crianças adultas à espera em frente do hospital onde o seu pai está a morrer. Situações encontradas todos os dias, vezes sem conta. Uma tentativa de observar a vida de fora, em que a dispersão e a passagem entre personagens diferentes não impedem que se sinta a subtileza do que cada uma delas vive.

Domingo 15, 21h30
Marselha
Marseille, 2004, 35mm, 95'
Sophie, uma jovem fotógrafa, passa uma temporada em Marselha, atenta à cidade e aberta aos encontros simples. Quando retorna a Berlim fica imediatamente submersa pela sua antiga vida, pela sua paixão pelo marido da melhor amiga, uma actriz desesperada pela falta de talento. Sophie volta a Marselha... Um filme muito belo e com uma estrutura narrativa absolutamente invulgar e audaz.









Raros filmes de Março


Okaasan / A mãe
Mikio Naruse

1952, 98’
Finalmente Naruse!
3ª, dia 10, 22h
Cinemateca*, Lisboa

Marnie
Alfred Hitchcock

1964, 129’
4ª, dia 11, 15h30 – Cinemateca

Mouchette
Robert Bresson
1967, 82’
5ª, dia 12, 19h – Cinemateca

Das Glück meiner Schwester
A sorte da minha irmã

Angela Schanelec

1995, 81’, 35mm
A crueldade depois do teatro
Os filmes de Angela Schanelec*
(prog. André Dias)
5ª, dia 12, 21h30 
Culturgest, Lisboa
com a presença da realizadora
 

Ich bin den Sommer über in Berlin geblieben / 
Passei
o Verão em Berlim
Angela Schanelec
1993, 49’, 35mm
A crueldade depois do teatro
6ª, dia 13, 18h30 – Culturgest
a realizadora falará no início da sessão sobre as suas influências e o seu percurso
 

Jaime
António Reis

1974, 35’ 
6ª, dia 13, 19h30 – Cinemateca

Plätze in Städten /
Lugares nas cidades

Angela Schanelec
1998, 117’, 35mm 
A crueldade depois do teatro
6ª, dia 13, 21h30 – Culturgest
com a presença da realizadora


Mein langsames Leben /
A minha vida lenta

Angela Schanelec

2001, 85’, 35mm
A crueldade depois do teatro
Dom, dia 15, 18h30 – Culturgest 
 

Paisà
Roberto Rossellini
1946, 128’
5ª, dia 19, 21h30 – Cinemateca

The man from Laramie
Anthony Mann
1955, 104’ 
6ª, dia 20, 21h30
5ª, dia 26, 19h30 –
Cinemateca


Nashville
Robert Altman
1975, 159’ 
História permanente do cinema

Sáb, dia 21, 21h30 – Cinemateca


Ukigumo / Nuvens flutuantes
Mikio Naruse
1955, 120’
Finalmente Naruse!
2ª, dia 23, 19h30 – Cinemateca



Letter from an unknown woman
Max Ophuls
1948, 90’
História permanente do cinema
Sáb, dia 28, 21h30 – Cinemateca


Nota I: Quando já pensava que esta rubrica estava condenada a desaparecer, devido à crescente escassez de “novos” filmes, eis que a Cinemateca programa porventura um dos seus melhores meses de sempre! Um Março fabuloso, do qual seleccionei para proveito pessoal imaginário, porque impossível de concretizar, quarenta e sete filmes!

Nota II: Não se incluem, obviamente, os filmes de Lucrecia Martel, de resto interessantes, porque projectados em formatos mais do que duvidosos. Mas para quando a apregoada estreia?


[apenas filmes vistos, sem repetições, em formatos originais]


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